Die Kunst, gemeinsam allein zu sein

OMAHA – Swish, swish … whooooosh … sccccraape-THUM, thump-THUD. Die Klänge von Lilli Carrés handgemaltem Animationsfilm „Glazing“ (2021) hingen in der Luft, als ich durch Presence in the Pause: Interiority and its Radical Immanence ging, eine Gruppenausstellung mit „Interior“-Gemälden. Das Video reiht sich in eine Auswahl von Werken ein, die im Bemis Center for Contemporary Arts zu sehen sind und die Figuration, Porträts und häusliche Szenen nutzen, um physische und psychische Räume und oft auch die Untrennbarkeit beider darzustellen. Auch Landschaft und Sprache schleichen sich bekanntermaßen ein.

Die Ausstellung erstreckt sich über zwei Galerien, was bedeutete, dass ich, um die gesamte Ausstellung zu sehen, den halbierenden Flur des Gebäudes in der Nähe des Eingangs durchqueren musste. Diese Passage ist eine von mehreren Stellen in der Show, die die körperliche Erfahrung der Pause hervorhebt – an Orten zu sein, an denen Zeit und Erinnerung ihren Halt verlieren und Platz machen für das, was als nächstes kommt.

Carrés Animationsfilm thematisiert einige der berühmten Frauendarstellungen der westlichen Kunstgeschichte, allesamt Kunstwerke von Männern. Eine dunkelhaarige, rosafarbene Figur bewegt sich schnell durch das Bild, verwandelt sich von einer vertrauten Pose in die nächste, hält zwischen den einzelnen Posen kurz inne und rennt gelegentlich gegen eine unsichtbare Wand, drückt sich flach dagegen und rutscht an ihr herunter. Der Effekt ist faszinierend. Als ich mich weiterhin mit dem männlichen Blick auseinandersetzte – einem historischen noch dazu –, fragte ich mich, ob Werke wie diese solche Probleme aufrechterhalten, und fragte mich, wann wir endlich mit all dem fertig sein werden. Aber das Stück ist ein bisschen unwiderstehlich. Der hörbare Rhythmus der Bewegungen der Figur wurde zum Soundtrack, als ich mich durch die Ausstellung bewegte, und erinnerte mich manchmal an einen Mikrofonabfall – eine Anspielung, die vielleicht beabsichtigt war oder auch nicht, die aber ein wenig willkommenen schwarzen Humor mit sich brachte.

Mehrere Gemälde erweckten das Gefühl, auf engstem Raum zu sein, voller sich selbst und persönlicher Gedanken und nicht mit anderen Menschen und ihren Geschäften. Celeste Rapones drei Kompositionen einer möglicherweise verstörten Frau positionieren ihren verzerrten Kopf und ihre Gliedmaßen an den Rändern der Leinwand und konkurrieren um Platz zwischen einem Tisch, einem Windspiel und Messern. Andere Werke zeigen Verstrickungen mit Familienmitgliedern und Geschichten – manche willkommen, manche obligatorisch. In Andrea Joyce Heimers dynamischen, farbenfrohen, flachflächigen Landschaften, die Schichten der Erinnerung visualisieren, scheint sich die Zeit gleichzeitig zu entfalten und zusammenzubrechen. Tiere, Menschen, Feuer, Schießereien, Landwirtschaft, Streit, Sonnenaufgang, Sonnenuntergang und mehr werden alle in Schichten von Beziehungen und Verhandlungen aktiviert.

Danielle McKinneys Figuren in „Twilight“ (2021) und „Calvary“ (2022) haben mich mit ihrer Stille, ihren reichen Farbpaletten und ihrem Umgang mit Farben angezogen, die alle auf exquisite Weise Innenräume mit persönlicher Natur schaffen – tiefe, weiche Brauntöne, samtig Blau- und Goldtöne sowie Highlights aus lachsrosa Nagellack. Und dann sind da noch die glühende Glut und der hauchdünne Dampf einer rauchenden Frau. Fängt irgendetwas anderes die Stimmung einer Pause, ein paar gestohlene Minuten der Kontemplation und Introvertiertheit so vollständig ein?

Kathy Liaos großformatige Mixed-Media-Arbeit „Without“ (2018) zeigt drei in einem Bett schlafende Figuren und deutet damit eindrucksvoll die Distanz an, die wir oft zu den Menschen empfinden, die uns nahe stehen. Vielleicht repräsentieren die Figuren drei Generationen von Familienmitgliedern oder anderen geliebten Menschen oder sogar drei verschiedene Phasen eines einzelnen Lebens. Liaos selektiver Einsatz warmer Farben innerhalb der Schwarz-Weiß-Szene lenkt die Aufmerksamkeit darauf, wie persönliche Erinnerungen und Bewusstsein unser Leben aktivieren, für die Menschen um uns herum jedoch unzugänglich bleiben.

Maia Cruz Palileos „All the Crossed Out“ (2021) hat bei mir eine unerwartete persönliche Note getroffen. Auf dem kleinen Gemälde, das eigentlich eher eine Studie ist, wird das Gesicht einer jungen Frau durch die Umrisse schwerer schwarzer Pinselstriche auf ihren Augen, ihrer Nase und ihrem Mund wiedergegeben. Ihre Finger schweben in der Nähe ihres Mundes, während sie durch den Raum blickt, ein Buch zwischen ihrer Brust und dem Tisch, an dem sie sitzt. Ich war schon immer fasziniert von der alltäglichen Geste, die Hände zum Mund zu führen – vielleicht an der Haut herumzuzupfen oder an den Nägeln zu kauen –, während man tief in Gedanken versunken ist oder sich in Momenten der Verzweiflung befindet. Es ist, als würden wir nach Sprache greifen. Mein eigener Finger und Daumen fielen von meinen Lippen, als ich meinen Kopf vom Gemälde abwandte, um einen der Auszüge aus Molly Prentiss‘ Sammlung von Schriften, FEED, zu lesen, die als Wandvinyl vorliegen: Ich habe vergessen, bis EOD aus dem Fenster zu schauen ….

Die Isolation, die die COVID-19-Pandemie mit sich brachte, und die verheerenden Auswirkungen auf unser Leben und unsere Beziehungen sind weiterhin spürbar. Bei „Presence in the Pause“ geht es zweifellos um diese ausgedehnte Erfahrung. Aber die Ausstellung geht über eine einfache Lektüre davon hinaus, wie es war, während des Lockdowns in unseren häuslichen Räumen zu sein, oder wie es sich anfühlte – und fühlt –, seinen eigenen Raum zu schaffen, auch wenn dieser Raum in unserem Kopf ist. Hier gibt es keine Gefangenschaft, keinen Wahnsinn. Jedes Werk unterstreicht die Entscheidungsfreiheit in den Leben, die es darstellt, und zeigt, wie es aussieht, allein und gemeinsam zu sein.

„Presence in the Pause: Interiority and its Radical Immanence“ ist bis zum 17. September im Bemis Center for Contemporary Arts (724 South 12th Street, Omaha, Nebraska) zu sehen. Die Ausstellung wurde von Rachel Adams, Chefkuratorin und Programmdirektorin, kuratiert.

Anmerkung der Redaktion:Reise und Unterkunft wurden im Zusammenhang mit der Ausstellung vom Bemis Center for Contemporary Arts bereitgestellt.

Nancy Zastudil ist eine unabhängige Redakteurin, Autorin und Kuratorin, die sich für eine gerechte Vertretung in der Kunst einsetzt. Sie gibt regelmäßig Künstlerbücher und Ausstellungskataloge heraus und schreibt über bildende Kunst für... Mehr von Nancy Zastudil